¡Ey! Qué tal mis queridos lectores. Este día me encuentro muy entusiasmado por el tema del que hablaremos hoy, espero que al finalizar la lectura ustedes esten igual de entusiasmados. El tema, como tal vez se los spoileo el título, es lenguaje cinematográfico.
Recordarán que la semana pasada les hable de las famoas «vistas», que eran las primeras películas que se producían una vez que los hermanos Lumière popularizaron el cinematógrafo. Estas se grababan colocando la cámara en un lugar fijo, se filmaba lo que ocurriera en ese espacio y listo, no había más. Parece que el hecho de poder inmortalizar un momento de la realidad en movimiento y tener la capacidad de transportarlo para que otros lo vieran ya era suficientemente mágico.
Obviamente para nosotros esto ya no es sorprendente, si así fuera Tik Tok solo tendría vídeos de gente caminando en una plaza, de un tren llegando a la estación o algo de ese estilo, y no lleno de gente haciendo locuras para ganar seguidores. ¿Pero quién podría hacer más mágicas las vistas de ese entonces? Aquí es donde entra George Méliès.
Por supuesto, George Méliès era ilusionista, así que era el hombre indicado para la tarea. Al ser seducido por el invento del cinematógrafo en 1888, compró el teatro «Robert Houdin» en París. Quiso comprarle a los hermanos Lumière un cinematógrafo, sin embargo estos se negaron, así que le compró un artefacto similar al inglés Robert W. Paul. En ese momento no se imaginaba que ese artefacto sería la clave para la gran innovación que aportaría al mundo del cine.
Un día Méliès se encontraba filmando cerca de la Plaza de la Ópera, su camará se trabó y se tardó unos momentos en poder volver a filmar. Cuando lo logró se dio cuenta que las carrozas y personas que había grabado se encontraban en otro lado, en su lugar había otras personas y otros vehículos. Era como si hubieran desaparecido, como si hubieran sido transportados, como si se hubieran convertido en otra cosa. Esto lo dejó maravillado y se le ocurrió algo muy ingenioso.
«Escamoteo de una dama» así se llamaría su primera película con efectos especiales. Su idea era reproducir el truco del mago Buatier de Kolta, que sentaba a una mujer en una silla, le ponía una manta encima y la hacía desaparecer. Pero Méliès reemplazaría el sistema que usaba de Kolta para crear la ilusión con los cortes de la cámara. En la película Méliès la hacía de mago, sentaba a una mujer en una silla, le ponía una manta encima y la hacía desaparecer, posteriormente hacía aparecer un esqueleto en la silla, lo tapaba con la manta y la mujer regresaba a la escena mágicamente. Aquí le dejo el vídeo:
Méliès usaría el teatro que adquirió como estudio de cine. La maquinaría que se usaba en el teatro le servirá para crear ilusiones cada vez más complejas como una caída libre, multiplicarse o arrancarse la cabeza. Sus películas además de asombrar y maravillar a cualquiera que las vea (personalmente creo que aun te puedes impactar con varias de sus obras), significaron un gran avance para el cine.
George Méliès hizo posible que se desarrollara la técnica de montaje, ya que sus ilusiones eran posibles gracias a los cortes que realizaba entre tomas para después unirlas en el proceso de edición. También empezó a crear historias más largas y con un argumento dentro de ellas, como la gran «Viaje a la Luna». Esto significó un avance en la narrativa cinematográfica, ahora era posible contar historias en el cine.
Eso fue lo que nos regaló el trabajo de Méliès, agregado a las sonrisas que nos saca al ver sus obras. Aprovecho este momento para hacer una recomendación para la cuarentena: «La invención de Hugo Cabret» es una película de 2011 dirigida por el multipremiado director Martin Scorsese, ahí podrán conocer un poco más sobre George Méliès que es interpretado en el filme por el actor Ben Kingsley.
El cine había llegado para quedarse. Esta nueva forma de contar historias debía tener una peculiaridad que la diferencia de las otras. Era evidente que reproducir la realidad no consagraría al cine como un nuevo lenguaje del ser humano, es ahí donde el trabajo de Méliès tiene su acierto, ya que la magia sucede en el proceso de edición. Los teóricos señalan definen al cine como crear una secuencia de imágenes en movimiento que en su conjunto expresan una idea, una historia o desarrollen un acontecimiento. El trabajo de elegir qué aparece en cuadro, qué no, de qué forma, desde qué punto de vista, en qué orden y durante cuánto tiempo es lo que llamamos lenguaje cinematográfico.
D. W. Griffith es el siguiente director que estudiaremos, y con razón, ya que se le considera el padre del lenguaje cinematográfico. Su primera aportación sería la definición de «Plano» que es la unidad mínima que hay en el montaje de una película, comprende el conjunto de fotogramas que existen entre dos cortes.
Otra de sus aportaciones es lo que se puede denominar «fuera de campo». Sabemos bien lo que es la «imagen» o el «campo», es lo que esta dentro de la pantalla, todo lo que la cámara filma, todo lo que esta en el cuadro. Griffith empezó a jugar con lo que se ubica fuera de ese cuadro, haciendo esto puedes manipular la historia y crear otra realidad. El espectador entiende que lo que vemos en pantalla es solo una parte de toda una realidad alterna a la nuestra. Aplicando este concepto logras que el espectador sea más partícipe en la historia, ya que él es el encargado de llenar los huecos de información que no obtienen, ya que dicha información se encuentran fuera del cuadro. Sintetizado en una regla podríamos decir que: Es más importante lo que se oculta, que lo que se muestra.
Tercera aportación de Griffith: los diversos tipos de plano. Podemos clasificar los planos en virtud de su tamaño, su angulación y su punto de vista. Los dos primeros son aportaciones de Griffith.
Los planos en función de su tamaño son: Gran Plano General, Plano General, Plano Medio, Primer Plano y Plano Detalle. En el primero el sujeto se encuentra lo más lejos de la cámara posible, filmando así todo el entorno que lo rodea. De ahí en adelante cada plano acerca más la cámara al sujeto que se quiere filmar, hasta llegar al plano detalle, que se dedica a grabar una parte específica del rostro del sujeto, también se puede usar para mostrar una acción importante para la trama y que en un plano más grande perdería importancia.
Los planos en función de la angulación son: Plano Picado, Plano Contrapicado, Plano Cenital, Plano Nadir, Plano Normal y Plano Aberrante. Estos se utilizan para engrandecer la figura de un personaje, o al contrario, mostrarlo débil o vulnerable.
El principio de simetría es otra de sus aportaciones. Es cuando repites un plano similar a lo largo del relato. Por ejemplo, cuando una película inicia y termina con el mismo plano.
Después Sergei M. Eisenstein vendría a definir mucho mejor el montaje en el cine. Los primeros estudios de cinematografía que hubo en el mundo fueron en Rusia, de ahí salió Eisenstein. Él creía firmemente que el cine podía encontrar su propio lenguaje para comunicarse sin necesidad de por ejemplo, el sonido.
Inspirado por el trabajo de Lev Kuleshov, quien experimentó con la yuxtaposición en el cine demostrando que se podía generar un significado e incluso diferentes emociones en el espectador dependiendo del orden en el que se colocan los planos, Eisenstein experimentó durante toda su vida con estas ideas.
Haciendo avances en el ritmo del montaje, en los significados que se generan combinando planos que no tienen relación directa entre sí, Eisenstein creó reglas que siguen siendo ocupadas en el cine actualmente. Como la tensión que se provoca en escenas de acción, en la que los cortes deben de ser más bruscos para generar en el público las sensaciones deseadas.
Como pueden ver el cine tiene su propia forma de comunicar independiente de las demás artes, si bien la música, la literatura, el cómic, etc… pueden servir como complemento, el cine ya puede comunicar con las herramientas a su alcance. La selección de los momentos de la realidad que quiere mostrar, cómo los filma y en qué orden los coloca son sus principales atributos.
Personalmente esta información me dejó loco, ya no puedo ver una película sin analizar el ritmo de los cortes, la angulación de los planos, etc… Esto es importante para cualquiera interesado en el cine, ya que como hemos visto, es lo que lo hace un arte en sí mismo. Espero que saliendo de aquí se pongan a analizar todas las películas que se le pongan enfrente y tal vez aprendan cómo usar este nuevo lenguaje para comunicarse a través de el.
Nos leemos la próxima c:
Referencias:
El Comunicador Digital 